Нонконформизм в искусстве что это
Нонконформизм в искусстве что это
Нонконформизм!
Нонконформизм – под этим понимается характерный подход и рабочий стиль деятеля искусств, художника, скульптора, писателя, придерживаться только своих взглядов и установок, которые противоречат установившимся в обществе, в данной среде, мнениям и взглядам.
Другими словами, нонконформизм идёт вразрез с существующими жанрами, стилями, методами, способами, вкусами, предпочтениями, которые являются наиболее популярными в обществе данного времени. Нонконформизм можно даже назвать своего рода революцией одного человека или группы людей против установившегося в искусстве главенствующего стиля.
Также нонконформизмом можно назвать стремление художника быть не как все, неприятие им популярных правил и законов, инакомыслие и протест, которые возводятся в самостоятельный жанр.
Нонконформизм в искусстве всегда является явлением положительным, хоть некоторые и считают многие его проявления негативным влиянием, иногда даже влиянием разлагающим великое наследие мировой культуры.
Нонконформизм это по сути, своего рода, постоянный поиск новых путей развития. Если конформисты всегда пытаются быть как все, быть одобренными обществом, ищут поддержки у большинства и работают для всех, то конформисты с приставкой “нон” пытаются выйти за рамки принятых норм выражения и изображения, подачи, поведения и даже морали.
В результате этого, у нонконформистов зачастую бывает больше противников, чем друзей, больше врагов, чем соратников. Нонконформисты работают обычно в одиночку или в числе небольшой группы единомышленников.
Однако, как бы то ни было, практически всё, что есть в современном искусстве некогда было нонконформизмом, революцией, которая осуждалась и отвергалась обществом, а сегодня является достоянием всего человеческого общества.
Как искусство «нонконформизм» стал своеобразным зеркалом существующей эмпирической реальности, которое породило огромные массивы нового психологического материала.
В поисках новой реальности искусство нонконформизма смело преодолевает мешающие ему оковы традиционных канонов.
Философские основы нонконформизма.
Искусство нонконформизма, несмотря на то, что причисляемые к этому направлению художники чаще всего не были сознательными приверженцами данного философского направления 20-го века, вполне можно назвать экзистенциалистским, так как утверждало абсолютную уникальность отдельного человека.
Идеалистическая эстетика нонконформизма основывается на представлении о душе (внутреннем Я) художника как источника прекрасного. В таком представлении содержался бунтарский протест против объективизированного мира, преодоление пропасти между субъективностью и объективностью, что приводит к выражению проблемы бытия в новых тревожных и необычных формах.
Поиски ускользающей реальности в искусстве нонконформизма окрашены эсхатологической картиной распада традиционной системы сложившихся ценностей.
Нонконформизм!
При всей сложности, богатстве и оригинальности подходов к творчеству, нонконформизм в искусстве явился единым мощным художественным направлением, модернистским по своему характеру, опирающимся на идеалистические философские теории и эстетические системы 20-го века.
Нонконформизм в искусстве. Нонконформистское искусство.
Нонконформизм в искусстве
Нонконформизм (лат. non conformis — не подобный, не сообразный) — стиль художника, скульптора, писателя, деятеля искусств придерживаться только своих взглядов и установок, которые противоречат установившимся в обществе и в данной среде мнениям и взглядам. То есть, нонконформизм идёт вразрез с существующими жанрами, стилями, методами, способами, вкусами, предпочтениями, которые являются наиболее популярными в обществе данного времени. Нонконформизм можно даже назвать своего рода революцией одного человека или группы людей против установившегося в искусстве главенствующего стиля. Также нонконформизм можно назвать стремлением художника быть не как все, неприятием популярных правил и законов, инакомыслием, протестом, который возводится в самостоятельный жанр.
Нонконформизм в искусстве всегда является явлением положительным, хоть некоторые и считают многие его проявления негативным влиянием, иногда даже влиянием разлагающим великое наследие. Художники (в широком смысле слова), которые активно продвигают новые точки зрения, вносят новые веяния во всё искусство, не дают ему застояться, окружить себя стенами, зайти в тупик. Нонконформизм это, своего рода, постоянный поиск новых путей развития. Если конформисты всегда пытаются быть как все, быть одобренными обществом, ищут поддержки у большинства и работают для всех, то конформисты с приставкой «нон» пытаются выйти за рамки принятых норм изображения, подачи, поведения и даже морали. В результате этого, у нонконформистов зачастую бывает больше противников, чем друзей, больше врагов, чем соратников. Иногда нонконформисты работают в одиночку или в числе небольшой группы людей. Однако, как бы то ни было, практически всё, что есть в современном искусстве некогда было нонконформизмом, революцией, которая осуждалась и отвергалась обществом, а сегодня является достоянием человеческого общества.
Для оформления сайта, а также для работы с фотошопом вам обязательно понадобятся качественные обои бесшовные. Большой выбор обоев самых разнообразных рисунков и узоров вы сможете найти на сайте Free Texture.
Художники — нонконформисты в СССР. Риск ради искусства
Двадцатый век. Никогда прежде изобразительное искусство не претерпевало таких революционных изменений. Вся классическая система живописи была сломлена искусством модернизма. Причём советские мастера выступили в это время как одни из главных новаторов и изобретателей. И на Западе, и в СССР выставки авангардистов проходили со скандалами (чего многие художники и добивались). Но лишь в тоталитарных странах, включая сталинский Советский Союз, новое искусство было запрещено законом в тридцатые годы.
После смерти Сталина и прихода к власти Хрущёва, многие надеялись на перемены. Удивительным сегодня кажется тот факт, что в самом начале Оттепели, на выставке в честь годовщины основания МОСХа, авангардным художникам позволили выставиться. Но, когда на выставку пришёл сам Хрущёв, он подверг художников разгромной критике. Никита Сергеевич произнёс решающую фразу: «в том, что касается искусства, я сталинист». И этим всё сказано.
Однако уже в последние годы сталинской власти росло поколение художников, не признававших официальных канонов социалистического реализма. Участь многих из них была трагична. Некоторые отсидели в тюрьмах по политическим обвинениям, некоторые попали в психиатрические больницы. Известен даже случай, когда сотрудники КГБ покалечили и чуть не убили одного из неофициальных художников, подсыпав ему в обувь отравляющее вещество. А один из лидеров подпольных живописцев, Рухин, даже погиб при невыясненных обстоятельствах. Но кем были эти художники, рискнувшие ради живописи своей жизнью, и что двигало ими?
Почему они не могли рисовать иначе, ведь многие мастера, такие как Малевич, пошли на компромисс с властями?
Естественно, те художники были не согласны с политикой Советского Союза. Для них живопись была политическим манифестом, но в их решении работать в запрещённых стилях была и чисто художественная причина. Согласно известному принципу, искусство – это выражение духа времени. Поэтому каждая эпоха порождает свой особенный стиль, а авангард как нельзя лучше соответствовал духу бурного и страшного двадцатого века. Несмотря на всю внешнюю уродливость, это искусство было честнее и отражало реальные проблемы общества, в отличие от соцреализма, который пытался изобразить выдуманный социалистический рай.
К тому же, надо понимать, что советские люди в то время уже устали от социалистического искусства. И это неудивительно. Полное презрение к форме привело к тому, что академически правильные картины соцреалистов становились серыми и скучными. Поэтому порой не только художники, но и зрители готовы были смотреть на любые картины, в которых было что – то свежее.
Нонконформизм по группам
Советские маркисты (Ленинградская школа)
Среди талантливых художников – постимпрессионистов был один человек, который сегодня практически неизвестен. Француз Альбер Марке затерялся в тени славы Ван Гога и Гогена. Однако он был большим другом Советского Союза и, как зарубежный коммунист, был приглашён в СССР ещё в конце правления Сталина. Познакомившись с его творчеством, многие художники стали ему подражать. На их картинах появилась та же влажная туманная полутьма. Сами художники называли себя «маркистами», и занимались творчеством, без каких либо политических манифестов. Для этого был выбран «нейтральный» пейзажный жанр. Сами художники не воспринимали свою деятельность как сопротивление. Скорее это был «третий путь», не путь социалистического реализма, но и не путь авангарда. В то же время, понятие «маркисты» было отчасти издёвкой над официальными марксистами.
Арефьевский круг
В тяжёлые годы войны выросли другие художники. Во времена послевоенной разрухи они начали свой путь в искусстве. Ленинградские живописцы Рихард Васми, Александр Арефьев, Тюлевев, Шолом Шварц выбрали в качестве источника своего вдохновения тёмную сторону жизни города. В том числе, использовались и сюжеты из жизни асоциальных элементов, созданные в узнаваемой упрощённой художественной манере. Сами художники Арефьевского круга также не отличались примерным поведением и часто небрежно относились к своему внешнему виду. Художники до конца своих дней не могли и мечтать об официальной выставке и даже дали себе ироничное прозвище «орден нищенствующих (непродающихся) живописцев».
«Митьки»
Ещё одним ярким явлением в жизни Ленинграда была живопись группы «Митьки». Названа она в честь её основателя Дмитрия Шагина. В основе творчества группы лежит городской фольклор, приправленный простонародным юмором и исполненный в характерной наивной технике примитивизма. Впоследствии вокруг творчества «Митьков» сложилась целая субкультура с собственными правилами и языком. Сегодня «Митьки» — это настоящая легенда Санкт – Петербурга.
«Алеф», евреи в живописи СССР
После Революции в СССР евреи, наконец освободившиеся от антисемитских ограничений, вздохнули свободно. Появилась целая плеяда гениальных дизайнеров и художников еврейского происхождения. Евреями были Марк Шагал и Эль Лисицкий. Однако после войны в советском обществе не было места для традиционной еврейской культуры. Проблема идентичности была поднята группой «Алеф», в которую входило множество художников — евреев. Самым ярким представителем движения был живописец Абезгауз.
При внешнем реализме, его картины аллегоричны. В них чаще всего есть отсылки к Библии, но перенесённые в атмосферу сегодняшнего дня. Кроме того, на его картинах присутствуют традиционные для еврейской живописи надписи на выпуклых лентах.
Одесса, Ленинград, Лианозово
Естественно, что главные центры живописи второго советского авангарда (живописи нонконформизма) были столицы (Москва и Ленинград). Там проходила активная художественная жизнь. Также одним из центров этой культуры был город Одесса, порт, в котором ощущалось влияние заграницы. Многих молодых художников Одессы опекал выдающийся живописец Егоров. На своих полотнах он изображал любимую одесситами стихию – море.
Его море правдиво, несмотря на авангардный оттенок его работ. Оно «дышит», сияет и движется. Можно сказать, что, наряду с Волошиным и Айвазовским, Егоров создал свой собственный яркий и самобытный образ моря.
Московские нонконформисты собрались в Лианозово, где среди бараков творил Оскар Рабин. На его экспрессионистских полотнах — целая система символов, взятых из реальной жизни. Позднее, когда художник, непонятый советским обществом, уедет в Европу, он продолжит рисовать всё те же бараки – и также не будет понят и западной публикой. Кроме него в группу «Лианозово» входил и поэт — экспериментатор Генрих Сапгир, автор знаменитого стихотворения «Принцесса и людоед», по которому в советское время был снят мультфильм.
Московский романтический концептуализм
Несмотря на отделённость от мировой культуры, в страны Соцлагеря в конце двадцатого века проникали и новые художественные веяния. В Москве в то время зародился концептуализм, который один критик назвал «романтическим». Самыми знаменитыми деятелями этого движения были Иван Чуйков, Виктор Пивоваров, Илья Кабаков и Павел Пепперштейн.
Иван Чуйков был сыном художника — соцреалиста, также знаменитого. КГБ поначалу казалось, что парень просто «сбился с пути», но он был настроен весьма серьёзно и не собирался бросать намеченную им линию в искусстве. Всю жизнь он эксплуатировал идею эпохи Возрождения о том, что картина – окно в мир.
И, действительно, он писал картины на оконных рамах.
Многие художники того времени находили отдушину в детской иллюстрации. В этой области творили и Пивоваров с Кабаковым, но для первого это был важный этап творчества, а для второго – лишь коммерческое искусство ради куска хлеба. В своих «нонконформистских» работах Пивоваров проявлял интерес как к сюрреализму, основанному на теории эйдоса (в отличие от фрейдизма у Дали). Также он знаменит концептуальными проектами, такими как «проекты для одинокого человека». Эта серия рисунков была создана как своеобразный «дизайн — проект» скучной бессмысленной жизни человека.
Она является реакцией на пустое существование советских людей в эпоху застоя.
Первые выставки и признание
Ещё не началась Перестройка, когда художникам сделали первые послабления. В семидесятые годы с большим трудом были организованы первые официальные выставки в ДК им. Газа и в ДК «Невский». После этого была создана первая легальная институция для запрещённых живописцев – секция живописи при Горкоме графиков. Но это был ещё неокончательный перелом. Многих художников преследовали и после этого. Лишь во времена Перестройки неофициальное искусство, наконец, стало разрешённым и сразу же сделалось основным в жизни стареющего СССР.
Конечно, в рамках данной статьи невозможно рассмотреть всех художников советского нонконформизма. А ведь их были десятки. От «Ленинградской школы» до группы «Башня», нонконформисты давно уже не являются чем – то запретным. Напротив, они стали живыми классиками безвозвратно ушедшей эпохи.
Частные продажи
Нонконформизм
Композиция со сломанной веткой.
Год – 1988 г.
Размер – 61х41,5.
Техника – Оргалит, масло.
Описание:
Монограмма и дата внизу справа. Опубликован: Е. Мурина, Дмитрий Краснопевцев, Москва: Третья волна, 1992, стр. 172 иллюстрация; Каталог к выставке Дмитрий Краснопевцев, Москва: Галерея Дом Нащекина, 1995, №74 иллюстрация; А.Ушаков, Дмитрий Краснопевцев, Кн.3, Москва: Бонфи, 2007, стр. 242, №222 иллюстрация, стр. 266 перечислена; А.Ушаков, Дмитрий Краснопевцев, Живопись. Каталог, Москва: Бонфи, 2007, стр. 112, №346 иллюстрация.
Натюрморт с цветочными горшками.
Год – 1973 г.
Размер – 56х44.
Техника – Оргалит, масло.
Описание:
Монограмма и дата внизу справа. Опубликован: А.Ушаков, Дмитрий Краснопевцев. Живопись. Каталог, Москва: Бонфи, 2007, стр. 89, №275 ч/б иллюстрация.
Грустная женщина.
Год – 1988 г.
Размер – 150х100.
Техника – Холст, масло.
Описание:
Вдоль нижней кромки авторская подпись: «ely bielutin 88».
Союзники.
Год – 1987 г.
Размер – 34,5х34,5.
Техника – Шелкография на холсте.
Описание:
На обороте ярлыки аукционного дома Christie’s и художественной галереи в Нью-Йорке.»
Самосожжение льва.
Год – 1985 г.
Размер – 215х151.
Техника – Фанера, масло.
Портрет Михайлова.
Год – 1979 г.
Размер – 80х50.
Техника – Картон, масло.
Описание:
Экспертиза В.С. Силаева.
Год – 1995 г.
Размер – 275х400.
Техника – Холст, масло.
Карнавал.
Размер – h-43,3.
Техника – Бронза.
Женщина.
Год – 1986 г.
Размер – 150х100.
Техника – Холст, масло.
Описание:
Вдоль нижней кромки авторская подпись и дата.
Женщина с ребенком.
Год – 1988 г.
Размер – 150х100.
Техника – Холст, масло.
Описание:
Подпись и дата внизу в центре.
Пожар с утюгом.
Год – 1985 г.
Размер – 100х146.
Техника – Холст, масло.
Описание:
Подпись внизу справа.
Крестный ход на Красной площади.
Год – 1993 г.
Размер – 90х121.
Техника – Холст, масло.
Гитара №3.
Год – 1968 г.
Размер – 96х109.
Техника – Холст, смешанная техника.
Мужчины.
Год – 1988 г.
Размер – 62х90.
Техника – Картон, масло.
Год – 1984 г.
Размер – 54х56.
Техника – Холст, масло.
Жеребёнок.
Год – 1959 г.
Размер – 57х40.
Техника – Бумага, угольный карандаш, темпера.
Описание:
Экспертиза В.С. Силаева. Подпись и дата вверху слева. Коллекция Игоря Маркина. Провенанс: Коллекция дирижера Игоря Маркевича (1912-1983), Женева. Christie’s аукцион, Russian Art 04 Июня 2018, Лондон, Лот 125. Музей АРТ4, Москва (2018).
Обнаженная.
Год – 1978 г.
Размер – 28,7х20,3.
Техника – Бумага, тушь.
Описание:
Слева внизу авторская подпись и дата.
Год – 1973 г.
Размер – 60х40.
Техника – Холст, смешанная техника.
Описание:
Подпись и дата вверху слева.
Конец спектакля.
Год – 1991 г.
Размер – 75х54.
Техника – Цветная литография, бумага.
Без названия.
Год – 1985 г.
Размер – 195×130.
Техника – Холст, масло.
Описание:
Подпись внизу справа. Коллекция Игоря Маркина. Провенанс: Частная коллекция, Москва Музей АРТ4 (2018). Продано.
Новые дома и лампа.
Год – 1967 г.
Размер – 80х100.
Техника – Холст, масло.
Без названия.
Год – 1979 г.
Размер – 31,7х21,8.
Техника – Бумага, см. техника.
Описание:
Подпись внизу справа. Продано.
Человек с огнем.
Год – 1962 г.
Размер – 43х30.
Техника – Холст, масло.
Три Грации.
Год – 1981 г.
Размер – 37х51.
Техника – Бумага тушь
Описание:
Экспертиза ГТГ. Подпись и дата внизу по центру.
Год – 1970-е гг.
Размер – 25х40.
Техника – Бумага, тушь.
Деревенская ласточка.
Год – 1991 г.
Размер – 80х60.
Техника – Холст, масло.
Описание:
Монограмма внизу справа.
Ковер-самолет.
Год – 1988 г.
Размер – 78,5х127.
Техника – Холст, масло.
Описание:
Подпись внизу справа.
Летний пейзаж.
Год – Последняя четверть ХХ в.
Размер – 48,5х67,5.
Техника – Бумага, акварель.
«Чрезмерность». Из проекта «Всякая страсть слепа и безумна».
Год – 2001 г.
Размер – 93х63.
Техника – Цифровая фотопечать на бумаге Kodak Professional.
Описание:
Тираж – 5/10 На обратной стороне в правом нижнем углу написано от руки Владиславом Мамышевым-Монро черной гелевой ручкой: «Владик Монро «Барствует» из проекта «Всякая страсть слепа и безумна» 2001 г. 2/5».
Продается коллекция из 8 работ. Продано.
«Отчаяние». Из проекта «Всякая страсть слепа и безумна».
Год – 2001 г.
Размер – 92х62.
Техника – Цифровая фотопечать на бумаге Kodak Professional.
Описание:
Тираж – 5/10 На обратной стороне в правом нижнем углу написано от руки Владиславом Мамышевым-Монро черной гелевой ручкой: «Владик Монро «Ностальгирует» из проекта «Всякая страсть слепа и безумна» 2001 г. 2/5» Продается коллекция из 8 работ. Продано.
Нонконформизм
Нонконформизм – это неофициальное советское искусство. Под названием советский нонконформизм объединяют представителей различных художественных течений 1950—1980-х годов, которые по соображениям политической и идеологической цензуры были вытеснены из публичной художественной жизни. В это время произошло деление изобразительного искусства СССР на конформизм и нонконформизм. Понятия конформизм и нонконформизм было заимствовано в психологии для обозначения пассивного и протестного принятия существующего порядка вещей. Нонконформизм в советском искусстве отражал сложившуюся психологическую и общественную ситуации. Пример нонконформизма в жизни советских людей показал, что длительное давление тоталитарного гнета невозможно. В поисках новой реальности изобразительное искусство смело преодолевало преграды канонов прошлого. В сфере неофициального искусства Советского Союза не действовали законы государственного регулирования художественного процесса. Развитие искусства было предоставлено своим собственным законам. Нонконформизм в целом многими рассматривается как «безумная смесь русофилов и западников, салона и глубокомыслия художников, работающих в самых разнообразных манерах, объединенных нахождением по одну сторону баррикад».
Нонконформизм признан уникальным явлением в истории изобразительного искусства, многие образцы «неофициального искусства» вошли в фонд и экспозицию ГТГ, Русского музея, Московского музея современного искусства и многих других.
Картины нонконформизма купить. Картины нонконформизма продать. Это очень популярные запросы, которые мы часто получаем на наш сайт. Наша галерея покупает для своего собрания живописи и графики 20 века значимые работы художников нонконформистов. В фондах нашей галереи представлено около 300 выдающихся работ различных авторов, они объединены в коллекцию Художники-нонконформисты.
Советский нонконформизм включает несколько неформальных объединений, в том числе «Лианозовская группа» (Оскар Рабин, Николай Вечтомов, Лидия Мастеркова, Владимир Немухин, Лев Кропивницкий), «Московский концептуализм» (Илья Кабаков, Андрей Монастырский и арт-группа Коллективные действия, Эрик Булатов, Дмитрий Пригов, Виктор Пивоваров, Павел Пепперштейн, Никита Алексеев и др., группа «Гнездо»), Соц-арт (Виталий Комар и Александр Меламид), «митьки».
Купить произведения нонконформистов. В нашей галерее вы сможете приобрести работы этих и других советских неофициальных художников.
Нонконформизм. «История русского искусства в 15 картинах»
Оригинал взят у 
philologist в Нонконформизм. «История русского искусства в 15 картинах»
1 сентября 2012 года в возрасте 75 лет ушел из жизни выдающийся художник-нонконформист, один из наиболее известных представителей советского неофициального искусства Дмитрий Плавинский. В память о нем «Голос России» представляет новую главу «Истории русского искусства в 15 картинах»
Нонконформизм. Под этим названием принято объединять представителей различных художественных течений в изобразительном искусстве Советского Союза 1950-1980-х годов, которые не вписывались в рамки социалистического реализма – единственного официально разрешенного направления в искусстве.
Художники-нонконформисты были фактически вытеснены из публичной художественной жизни страны: государство делало вид, что их просто не существует. Союз художников не признавал их искусства, они были лишены возможности показывать свои произведения в выставочных залах, критики не писали о них, музейные работники не посещали их мастерских.
1. Дмитрий Плавинский «Ракушка», 1978
«Творение мысли и рук человеческих рано или поздно поглощается вечной стихией природы: Атлантида — океаном, храмы Египта — песком пустыни, Кносский дворец и лабиринт — вулканической лавой, пирамиды ацтеков — лианами джунглей. Для меня наибольший интерес представляет не расцвет той или иной цивилизации, а ее гибель и момент зарождения следующей…»
Дмитрий Плавинский, художник
2. Оскар Рабин «Натюрморт с рыбой и газетой «Правда»», 1968
«Чем дальше, тем острее я чувствовал, что не могу обходиться без живописи, для меня не было ничего прекраснее судьбы художника. Однако, рассматривая картины официальных советских художников, я совершенно неосознанно ощущал, что никогда так писать не смогу. И вовсе не потому, что они мне не нравились – я восхищался мастерством, порою откровенно завидовал – но в целом они не трогали, оставляли равнодушным. Чего-то главного для меня в них недоставало».
Оскар Рабин, художник
3. Лев Кропивницкий «Женщина и жуки» 1966
«Абстрактная живопись дает возможность максимально приблизиться к реальности, проникнуть в суть вещей, постичь все то важное, что не воспринимается нашими пятью чувствами. Я ощутил современность как совокупность драматических свершений, психологических напряженностей, интеллектуальных перенасыщенностей. Я старался и стараюсь, исходя из пережитого и перечувствованного, создать живописную форму, соответствующую духу времени и психологии века.»
Лев Кропивницкий, художник.
4. Дмитрий Краснопевцев «Трубы», 1963
Дмитрий Краснопевцев, художник.
5. Владимир Немухин «Незаконченный пасьянс», 1966
«Инвентарь элементов изобразительного языка состоит в первую очередь из предметов. Они были и прежде – деревья, банки, коробки, газеты, т.е. как бы простые, узнаваемые объекты. В конце 50-х годов всё это перешло в абстракцию, и вскоре сама эта абстрактная форма меня стала утомлять. Вот то состояние, которое возобновляет интерес к предмету, и он в свою очередь отвечает взаимностью. Я считаю, что предмет очень важен для видения, потому что через него просматривается само видение».
«В 58-м году я начал делать свои первые абстрактные работы. Что такое абстрактное искусство? Оно давало возможность порвать сразу со всей этой советской действительностью. Ты становился другим человеком. Абстракция это, с одной стороны, как бы искусство подсознания, а с другой — новое видение. Искусство обязано быть видением, а не рассуждением».
Владимир Немухин, художник.
6. Николай Вечтомов «Дорога», 1983
«Моя жизнь – это создание собственного художественного пространства, которое я всё время стремился обогатить и для этого многое пробовал. Я понял, что каждый из нас всегда наедине с катаклизмами ХХ века.»
«Мы живем в темноте и уже свыклись с ней, вполне различаем предметы. И все же свет мы черпаем оттуда, из сияния закатного Космоса, он-то и дает нам энергию видения. Поэтому для меня важны не предметы, а их отражения, ибо в них таится дыхание чужеродной стихии.»
Николай Вечтомов, художник.
7. Анатолий Зверев Женский портрет. 1966
«Анатолий Зверев – один из самых выдающихся русских портретистов, рождавшихся на этой земле, которому удавалось выразить трепетный динамизм момента и мистическую внутреннюю энергию людей, портреты которых он писал. Зверев – один из самых экспрессивных и спонтанных художников нашего времени. Его манера настолько индивидуальна, что в каждой его картине можно немедленно узнать почерк автора. Несколькими штрихами он достигает огромности драматического эффекта, спонтанности и мгновенности. Художнику удается передать чувство непосредственной связи между ним и его моделью.»
Владимир Длуги, художник.
«Зверев – первый русский экспрессионист XX века и посредник между ранним и поздним авангардом в русском искусстве. Я считаю этого замечательного художника одним из самых талантливых в советской России.»
Григорий Костаки, коллекционер.
8. Владимир Янкилевский «Пророк», 1970-е
«Нонконформизм» – это конститутивный признак настоящего искусства, так как противостоит банальности и штампу конформизма, давая новую информацию и создавая новое видение мира. Судьба подлинного художника часто бывает трагична, независимо от того, в каком социуме он живет. Это нормально, так как судьба художника – это судьба его прозрения, его высказывания о мире, которое ломает устоявшиеся стереотипы восприятия и мышления, создаваемые «массовой культурой» и интеллектуальным снобизмом. Быть творцом и быть «в свое время» канонизированным «героем» социума, суперстаром – это почти непреодолимый парадокс. Попытки его преодоления – путь к карьере конформиста.»
Владимир Янкилевский, художник.
9. Лидия Мастеркова «Композиция», 1967
«Все время с неослабленной силой в ее абстрактных композициях то горят, то сверкают, то мерцают притухающим огнем волшебные краски. Кажется, она подходит все время с разных сторон к магической поверхности полотна. Иногда жизнерадостная яркость пламенеющих звучаний, извивающихся и несущихся ввысь странных очертаний заставляет вспомнить органные аккорды Баха, а иногда зеленовато-серые, сплетенные плоскости, ассоциирующиеся с биологическими формами, связываются с «Сотворением мира» Мийо. Рисунком Мастеркова говорит многое. Он организует пятна на плоскости и характер красочных акцентов. Он своеобразен и очень выражает автора.»
Лев Кропивницкий, художник.
10. Владимир Яковлев «Кошка с птицей», 1981
«Искусство – это средство преодоления смерти.»
Владимир Яковлев, художник.
Илья Кабаков, художник.
11. Эрнст Неизвестный «Сердце Христа», 1973-1975
«Я делю художественную деятельность (и писательскую, и музыкальную, и изобразительную) на два типа: на стремление к шедевру и стремление к потоку. Стремление к шедевру, это когда перед художником стоит определенная концепция прекрасного, которую он хочет воплотить, создать законченный, емкий шедевр. Стремление к потоку — это экзистенциальная потребность в творчестве, когда оно становится аналогичным дыханию, биению сердца, работе всей личности. Для художников потока искусство есть овеществленная экзистенция, в каждую секунду двигающаяся, возникающая и умирающая. И когда я хочу построить свое «Древо жизни», я полностью сознаю почти что клиническую, патологическую невозможность этого замысла. Но он мне нужен для того, чтобы работать. И множественность меня не пугает, потому что она скреплена математическим единством, она самозамкнута. Все это — попытка совместить несколько начал, попытка совместить вечные основы искусства и временное его содержание. Низменное, жалкое, ничтожное соединяется постоянно и вечно в вере, чтобы стать благородным, величественным, осмысленным».
Эрнст Неизвестный, художник.
12. Эдуард Штейнберг «Композиция с рыбой», 1967
«Не могу сказать, что я на каком-то верном пути. Но что такое истина? Это слово, изображение. Вот есть у Камю замечательный «Миф о Сизифе», когда художник тащит на гору камень, а потом он падает вниз, он опять поднимает его, опять тащит – вот приблизительно маятник моей жизни».
«Я практически ничего нового не открыл, я только дал русскому авангарду другой ракурс. Какой? Скорее религиозный. Свои пространственные геометрические структуры я основываю на старой катакомбной стенописи и, конечно, на иконописи».
Эдуард Штейнберг, художник.
13. Михаил Рогинский «Красная дверь». 1965
«Я заставлял себя воссоздавать реальность, исходя из своего представления о ней. Этим я занимаюсь до сих пор».
Михаил Рогинский, художник.
Андрей Ерофеев, куратор, искусствовед
14. Олег Целков «Голгофа» 1977
«Мне совершенно не нужно выставляться сейчас. Вот через полвека мне будет крайне интересно показать свои работы. Сегодня я окружен такими же дураками, как я сам. Они понимают не больше меня. Люди пишут, чтобы что-то осмыслить. Рукой художника движет не стремление выставиться, а желание рассказать о пережитом. Когда картина написана, дальше я над ней уже не властен. Она может остаться живой или погибнуть. Мои картины – это мое письмо в бутылке, брошенной в море. Может, эту бутылку никто никогда не поймает, и она разобьется о скалу».
Олег Целков, художник.
15. Юло Соостер «Красное яйцо», 1964
«В его взгляде на природу нет ни непосредственности, ни удивления, ни любования. Это скорее взгляд ученого, стремящегося проникнуть в тайну вещей. Художник как бы ищет некую идеальную формулу природы, ее центричности, формулу столь же законченную и столь же сложную, как форма яйца».